Samuel Beckett

Samuel Barclay Beckett (Dublín, 13 de abril de 1906 – París, 22 de diciembre de 1989) fue un dramaturgo, novelista,crítico y poeta irlandés, uno de los más importantes representantes del experimentalismo literario del siglo XX, dentro del modernismo anglosajón. Fue igualmente figura clave del llamado teatro del absurdo y, como tal, uno de los escritores más influyentes de su tiempo.2 Escribió sus libros en inglés y francés, y fue asistente y discípulo del novelista James Joyce. Su obra más conocida es el drama Esperando a Godot.
La obra de Beckett es fundamentalmente sombría y tendente al minimalismo y, de acuerdo con ciertas interpretaciones, profundamente pesimista(hasta nihilista3 ) acerca de la condición humana. De esta forma, con el tiempo sus libros se hicieron progresivamente más crípticos y breves. El pesimismo de Beckett viene sin embargo atemperado por un particular sentido del humor, entre negro y sórdido (véase Comentarios sobre el autor).
Según su traductora, Antonia Rodríguez-Gago, «Beckett destruyó muchas de las convenciones en las que se sustentan la narrativa y el teatro contemporáneo; se dedicó, entre otras cosas, a desprestigiar la palabra como medio de expresión artística y creó una poética de imágenes, tanto escénica como narrativa».
La obra de este autor se estudia principalmente desde el punto de vista de la literatura y el teatro, pero también de la filosofía, el psicoanálisis, latraductología, la música y los medios audiovisuales.
En la Encyclopedia of World Literature in the 20th Century se lee: «Todo el trabajo de Beckett retrata la tragicomedia de la condición humana en un mundo sin Dios, sin ley y sin sentido. La autenticidad de su visión, la sobria brillantez de su lenguaje (en francés e inglés) han influido a jóvenes escritores de todo el mundo».
Samuel Beckett fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1969 «por su escritura, que, renovando las formas de la novela y el drama, adquiere su grandeza a partir de la indigencia moral del hombre moderno».7 En 1961 había recibido asimismo el "Premio Formentor" otorgado por el Congreso Internacional de Editores, junto a Jorge Luis Borges.

Biografía

Dramaturgo, escritor y poeta irlandés, Samuel Beckett es considerado uno de los grandes autores teatrales del siglo XX, galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1969.Beckett fue fundamental en el nacimiento de la experimentación literaria y el teatro del absurdo, ejemplo de lo cual es su obra más conocida, Esperando a Godot (1952)
Nacido en una familia adinerada y muy religiosa, Beckett estudió en el Trinity College de Dublín donde se licenció en Filología antes de viajar a París para ser lector en la École Normale Superieur de París. Es allí donde conocerá al que será su mentor en el mundo de las letras, el escritor James Joyce, para quien trabajaría como asistente.
No sería hasta 1929 que Beckett publicara su primer cuento, Conjetura, al que pronto seguirían más relatos, poemas y ensayos. A partir de 1930, de vuelta en Irlanda, Beckett dejó atrás su carrera académica y comenzó una serie de viajes por Europa, sin más objetivo que vivir y escribiendo poco, de manera muy ocasional.
En 1933 se publicó su primera antología de relatos y Beckett comenzó a colaborar con diversas revistas, tanto con sus propias creaciones como con críticas literarias, con las que logró un gran reconocimiento y sentó las bases de una conciencia generacional en varios autores irlandeses.
Establecido en París a finales de los años 30, y sumido en varias crisis de tipo personal, sufrió un apuñalamiento que casi acaba con su vida. Tras el inicio de la II Guerra Mundial, Beckett se unió a la resistencia francesa, primero en París y luego en la zona rural de Vaucluse.
Terminado el conflicto, Beckett volvió a Dublín, donde se volcó en la literatura, produciendo más cuentos y novelas, tanto en inglés como en francés, destacando títulos como Molloy, Malone muere o El innombrable. Poco después se embarcaría en la escritura de Esperando a Godot, que le llevaría un año, siendo publicada con muchos esfuerzos en 1952 y estrenada en 1953. Pese a recibir malas críticas en su estreno, la obra alcanzó grandes alabanzas y es una de las obras más representadas del siglo XX.
A partir de los años 60, gozando del éxito de piezas teatrales como Final de partida o Los días felices, Beckett trabajó para la BBC y también en guiones o programas de radio. En1969 recibió el Premio Nobel. El autor irlandés siguió trabajando, sobre todo el teatro, publicando sus últimas obras y antologías de escritos o poemas hasta bien entrados los años 80.
Samuel Beckett murió el 22 de diciembre de 1989 en París.

Obras

• Eleutheria (1940s)
• Esperando a Godot (1952)
• Act Without Words I (1956)
• Act Without Words II (1956)
• Final de partida (1957)
• La última cinta (1958)
• Rough for Theatre I (late 1950s)
• Rough for Theatre II (late 1950s)
• Los días felices (1960)
• Play (1963)
• Come and Go (1965)
• Breath (performance 1969)
• Not I (1972)
• That Time (1975)
• Footfalls (1975)
• A Piece of Monologue (1980)
• Rockaby (1981)
• Ohio Impromptu (1981)
• Catastrophe (1982)
• What Where (1983)

Esperando a Godot

Esperando a Godot (en francés: En attendant Godot), a veces subtitulada Tragicomedia en 2 actos, es una obra perteneciente al teatro del absurdo, escrita a finales de los años 40 por Samuel Beckett y publicada en 1952 por Éditions de Minuit. Beckett escribió la obra originalmente en francés, su segunda lengua. La traducción al inglés fue realizada por el mismo Beckett y publicada en 1955.
La obra se divide en dos actos, y en ambos aparecen dos vagabundos llamados Vladimir y Estragon que esperan en vano junto a un camino a un tal Godot, con quien (quizás) tienen alguna cita. El público nunca llega a saber quién es Godot, o qué tipo de asunto han de tratar con él. En cada acto, aparecen el cruel Pozzo y su esclavo Lucky (en inglés, afortunado), seguidos de un muchacho que hace llegar el mensaje a Vladimir y Estragon de que Godot no vendrá hoy, "pero mañana seguro que sí".
Esta trama, que intencionalmente no tiene ningún hecho relevante y es altamente repetitiva, simboliza el tedio y la carencia de significado de la vida humana, tema recurrente del existencialismo. Una interpretación extendida del misteriosamente ausente Godot es que representa a Dios (en inglés: God), aunque Beckett siempre negó esto.1 Como nombre propio, Godot puede ser un derivado de diferentes verbos franceses. Beckett afirmó que derivaba de godillot, que en jerga francesa significa bota. El título podría entonces sugerir que los personajes están "esperando a la bota".

Sinopsis

La obra está dividida en dos actos. La trama trata de Vladimir (también llamado "Didi") y Estragon (también llamado "Gogo"), quienes llegan a un lugar junto a un camino, al lado de un árbol, para esperar la llegada de Godot. Vladimir y Estragon parecen ser vagabundos: su ropa es andrajosa y no les viene bien; otra teoría es que podrían ser refugiados o soldados desplazados de un conflicto, como la Segunda Guerra Mundial, que acababa de terminar y que inspiró mucho la dramaturgia de Beckett. Pasan el tiempo conversando y a veces discutiendo.
Estragon se queja de que las botas no le vienen, y Vladimir presume de piernas agarrotadas debido a un doloroso problema de vejiga. Hacen vagas alusiones sobre la naturaleza de sus circunstancias, y sobre las razones para encontrarse con Godot (pero el público nunca llega a saber quién es Godot o por qué es tan importante). Pronto les interrumpe la llegada de Pozzo, un hombre cruel pero lírico que afirma ser el dueño de la tierra donde se encuentran, junto con su criado Lucky, a quien parece controlar por medio de una larga cuerda. Pozzo se sienta para darse un festín de pollo, y más tarde tira los huesos a los dos vagabundos. Los entretiene haciendo a Lucky bailar animadamente, y entonces les da un sermón improvisado sobre las teorías de George Berkeley. Tras la partida de Pozzo y Lucky, un niño llega con un mensaje de Godot: "aparentemente, no vendrá hoy, pero vendrá mañana por la tarde". El muchacho también confiesa que Godot pega a su hermano y que él y su hermano duermen en la buhardilla de un granero.
El segundo acto sigue un patrón similar al del primero, pero cuando Pozzo y Lucky llegan, Pozzo se ha vuelto inexplicablemente ciego, y Lucky, mudo. De nuevo el chico llega para anunciar que Godot no vendrá, si bien el muchacho afirma no ser el mismo niño que el día anterior había traído el mismo mensaje.

Eugène Ionesco

Eugène Ionesco

Eugène Ionesco (en rumano Eugen Ionescu) (Slatina, Rumania, 26 de noviembre de 1909 — París, Francia, 28 de marzo de 1994), dramaturgo y escritor francés de origen rumano, elegido miembro de la Academia francesa el 22 de enero de 1970. Fue uno de los principales dramaturgos del teatro del absurdo.

Biografía

De padre rumano y madre francesa, viajó a París con un año y vivió allí hasta los trece. En 1925 volvió a Rumania y estudió la carrera de Letras. Enseñó francés durante tres años en un Instituto de Bucarest, hasta que en 1938 regresó a Francia para establecerse definitivamente. Trabajó en una editorial, después en un banco y empezó una tesis doctoral sobre la muerte en la poesía francesa que no terminaría. Se relacionó con el grupo de la revista literaria Cahiers du Sud antes de dedicarse por entero a su producción dramática.
Murió en 1994 y está enterrado en el cementerio de Montparnasse en París.
Su primera obra de teatro, La cantante calva se estrenó en el Théâtre des Noctambules en 1950,pero su inteligencia, novedad y ruptura con la lógica lo llevan a la fama, fama que no lo abandonaría en sus posteriores obras. Fue, junto al irlandés Samuel Beckett, el padre del teatro del absurdo, mediante el cual él hace "de un texto burlesco, un juego dramático; y de un texto dramático un juego burlesco". Más allá de la mera ridiculización de situaciones banales, las obras de Ionesco dibujan de modo tangible la soledad de los humanos y la insignificancia de la adoración a ídolos vacíos, entre otros temas.

Obras

• Víctimas del deber (1932)
• La cantante calva (1950)
• La lección (1950)
• El porvenir está en los huevos (1951)
• Las sillas (1952)
• Amadeo o cómo salir del paso (1953)
• L'impromtu de l'alma (La improvisación del alma) (1955)
• El nuevo inquilino (1956)
• El rinoceronte (1959)
• El rey se muere (1962)
• Delirio a dúo (1962)
• La photo du colonel (La foto del coronel) (1962)
• El hombre de las maletas (1975)
• Voyages chez les morts (Viajes al otro mundo) (1980)

La cantante calva

La Cantante calva es la primera pieza de teatro escrita por Eugenio Ionesco. La primera se efectuó el 11 de mayo de 1950 al teatro de los Noctámbulos en una puesta en escena de Nicolas Bataille. Fue publicada por primera vez el 4 de septiembre de 1950 por el Colegio de ' Pataphysique. Desde el 1957, La Cantatriz calva es jugada al teatro de Huchette1, haciéndose una de las piezas que cuenta más representaciones en Francia. La Cantante calva recibió a un Molière de honor en 1989.
La idea de la pieza vino a Ionesco cuando trató de enterarse del inglés por el rodeo del método Assimil. Golpeado por el contenido de los diálogos, a la vez muy sobrios y extraños pero también por el encadenamiento de frases sin informe, decide escribir una pieza absurda titulada el inglés sin dificultad. Es sólo después de un lapsus, en el momento de un ensayo, que el título de la pieza es fijado: el actor que jugaba al bombero debía hablar, en una perorata muy larga, de una maestra de escuela rubia y en lugar de decir " una maestra de escuela rubia " dijo "a una cantatriz calva " que se hizo el título de la pieza.
Ionesco se inspira en el método Assimil, pero en Notas y contra notas, explica que lo absurdo vino para sobreañadirse a la copia simple del manual de aprendizaje. Lo absurdo se hace el motor de la pieza, porque Ionesco tiene el proyecto de " engordar las cuerdas finas de la ilusión teatral ".

Bertold Brecht

Eugen Berthold (Bertolt) Friedrich Brecht (Augsburgo, 10 de febrero de 1898 – Berlín Este, 14 de agosto de 1956), fue un dramaturgo y poeta alemán, uno de los más influyentes del siglo XX, creador del llamado teatro épico.

Biografía

Eugen Berthold Friedrich Brecht nació el 10 de febrero de 1898 en una familia burguesa de Augsburgo, ciudad de Baviera. Su padre, católico, era un acomodado gerente de una pequeña fábrica de papel, y su madre, protestante, era hija de un funcionario. El joven Brecht se sentía atraído por lo distinto, lo extravagante, y se empeñaba en vivir al margen de las normas de su tiempo, de su recato y su sentido de disciplina. En la escuela destacó por su precocidad intelectual y terminó el bachillerato especial (Notabitur), al verse involucrado en un escándalo. Inicialmente influido por la euforia de la guerra, Brecht la criticó con el ensayo sobre el poeta Horacio (65 a. C.–8 a. C.) «Dulce et decorum est pro patria mori» («Dulce y honorable es morir por la patria»), en el que se considera honorable morir por la patria y que Brecht considera como «propaganda dirigida» en la que sólo los «tontos» caen. Por ello fue castigado con la expulsión de la escuela. Sólo la intervención de su padre y el profesor de religión le evitaron el cumplimiento del castigo.

Inicios

Comenzó a escribir poesía erótica desde muy joven y publicó sus primeras experiencias sexuales, convertidas en poemas sobre prostitutas y vagabundos en 1914. También escribía cuentos y canciones que entonaba él mismo, acompañándose con la guitarra En 1917, inició la carrera de Medicina en la universidad Ludwig Maximilian de Múnich, pero tuvo que interrumpir los estudios para hacer el sFLervicio militar como médico en un hospital militar en Augsburgo, en el marco de la Primera Guerra Mundial. En 1918, con sólo veinte años, escribió su primera obra teatral, Baal, cuyo personaje principal es un poeta y asesino. Durante este tiempo conoció a Paula Banholzer, quien en 1919 dio luz a un hijo suyo, Frank, que moriría en el frente soviético durante la Segunda Guerra Mundial, en 1943.
Luego, entre 1918 y 1920 escribió una pieza sobre la revolución alemana, con el título Tambores en la noche. También por aquella época, la agitación revolucionaria bávara de 1918 llevó a Brecht a ingresar en 1919 en el partido socialdemócrata independiente. A partir de 1920, Brecht viajó a menudo a Berlín, donde entabló relaciones con gente del teatro y de la escena literaria. En 1922 se casó con la actriz de teatro y cantante de ópera Marianne Zoff. A partir de aquel momento, el joven artista tuvo papeles en Münchner Kammerspiele y en el Deutsches Theater de Berlín. Un año más tarde tuvieron una hija, Hanne; poco después conoció a la que sería su segunda esposa, Helene Weigel.
En 1924 abandona Augsburgo y se traslada a Múnich; de ahí se trasladaría posteriormente a Berlín, la capital, en la que reinaba una vida cultural efervescente, y donde conoce al poeta expresionista Arnolt Bronnen, con el que funda una productora a la que llamarían Arnolt y Bertolt. Ese mismo año empezó a trabajar como dramaturgo junto a Carl Zuckmayer en el Deutsches Theater de Max Reinhardt y tuvo a su segundo hijo, Stefan, aunque tres años más tarde se divorciaría de Marianne Zoff.
Desde 1926 tuvo frecuentes contactos con artistas socialistas que influirían en su pensamiento y en 1927, comenzó a estudiar El Capital de Marx. En 1929 ingresó en el Partido Comunista.
Ese mismo año se casó con Helene Weigel, matrimonio del cual tuvieron una hija, Bárbara.
Entre 1929 y 1934 escribió una serie de obras entre las que se destacan: Línea de conducta, Acuerdo y tal vez el más importante y bello de los trabajos de esta época: La excepción y la regla (1930).
A sus 29 años publicó su primera colección de poemas Devocionario doméstico y un año más tarde alcanzó el mayor éxito teatral de la República de Weimar con La ópera de cuatro cuartos/La ópera de los tres centavos.
Brecht siempre buscó con sus actuaciones concienciar al espectador y hacerlo pensar, procurando distanciarlo del elemento anecdótico; para ello se fijó en los incipientes medios de comunicación de masas que la recién nacida Sociología empezaba a utilizar con fines políticos. Su meta fue alcanzar un cambio social que lograse la liberación de los medios de producción. Ese propósito lo abordó tanto a través del ámbito intelectual como del estético.
Un año después, Brecht llevó sus ideas comunistas al cine, que muestra lo que podría ofrecer el Comunismo a un pueblo alemán azotado por la crisis de la República de Weimar.
Hasta 1933, Brecht trabajó en Berlín como autor y director de teatro. Pero en aquel año, Hitler se hace con el poder. A comienzos de 1933, la representación de la obra La toma de medidas fue interrumpida por la policía y los organizadores fueron acusados de alta traición. El 28 de febrero Brecht y Helene Weigel con su familia y amigos abandonan Berlín y huyen a a Skovsbostrand, en Dinamarca, donde el autor pasó cinco años. En mayo de 1933 todos sus libros fueron quemados por los nacionalsocialistas. Aunque al día de hoy se duda de si la totalidad de sus libros fueron quemados.

El exilio

La vida de Galileo

El exilio de Brecht fue posiblemente el tiempo más duro de su vida, a pesar de lo cual en este periodo escribe algunas de sus mayores obras y alcanza su plena madurez con sus cuatro grandes dramas escritos entre 1937 y 1944.
Encontrándose en una situación económica difícil, tuvo que viajar primero a Dinamarca, luego a Suecia, donde vivió durante un año en una granja cerca de Estocolmo y finalmente, en abril de 1940, a Helsinki.
Durante esta época escribió su obra La vida de Galileo. Esta pieza teatral recrea muy libremente la biografía del científico. Brecht siempre se pronunció contra la autoridad, el Estado y la sociedad con la justa crítica para no llegar a ser mártir de sus propias ideas. En Suecia escribió el poderoso alegato antibélico Madre Coraje y sus hijos, en una tentativa de demostrar que los pequeños empresarios codiciosos no vacilan en promover devastadoras guerras para ganar dinero.
El alma buena de Szechwan (1938-40) examina el dilema de cómo ser virtuoso y sobrevivir al mismo tiempo en un mundo capitalista. En el verano de 1941, viajó en el expreso transiberiano desde Moscú a Vladivostok. Desde el este de la URSS se trasladó en barco a California, asentándose en Santa Mónica, cerca de Hollywood. Allí intentó escribir para la industria de Hollywood, pero sus guiones no fueron admitidos por las grandes productoras cinematográficas.
En Estados Unidos organizó algunas representaciones teatrales, en la mayoría de los casos en escenarios de emigrantes, pero Brecht vuelve a ser perseguido por sus ideas políticas y el 30 de octubre de 1947 es interrogado por el Comité de Actividades Antiamericanas, por lo que tuvo que escapar al día siguiente otra vez a Suiza, sin esperar el estreno de su drama La vida de Galileo en Nueva York.
Suiza era el único país al que podía viajar y allí pasó un año en el que escribió El Señor Puntila y su criado Matti, un drama popular sobre un granjero finlandés que oscila entre la sobriedad grosera y el buen humor borracho.
Bertolt tenía prohibida la entrada a Alemania Occidental (RFA), por órdenes de las autoridades de ocupación de la postguerra (aliados). Tres años después obtuvo la nacionalidad austriaca. Tras 15 años de exilio, volvió a Alemania en 1948, instalándose en Berlín oriental.

Madre coraje y sus hijos

Madre Coraje y sus hijos (Mutter Courage und ihre Kinder) es una pieza teatral fundamental en el teatro de Bertolt Brecht con música adicional de Paul Dessau para la versión berlinesa de 1949. Habiendo huido de la Alemania nazi en 1933, Brecht escribió la obra en cinco semanas durante su exilio en la isla de Lindingo en Suecia en 1939, previo a su escape a Finlandia y Estados Unidos via Rusia. Estrenada en Zurich en 1941, Brecht la revisó, produjo y dirigió en 1949 para el Berliner Ensemble.

Argumento y contexto

El personaje central está extraído de una novela picaresca de H. J. Ch. von Grimmelshausen, del siglo XVII: La pícara Coraje (Die Landstörzerin Courasche). El drama se sitúa durante la Guerra de los treinta años donde Madre Coraje es una astuta vendedora ambulante que para sobrevivir sortea hábilmente las diferencias entre católicos y protestantes siguiendo con su carromato al ejército sueco, sacando partido de la guerra y del dolor humano. Obtiene beneficios pero el precio que ha de pagar son sus tres hijos: Eilif, Schweizerkas y Catalina.
Es un profundo alegato antibélico, donde Anna Fierling ("Madre coraje") -mítica figura del costo de la guerra- termina sola en su desvencijado carromato y constituye una de las nueve piezas teatrales con las que Brecht trató de contrarrestar la ascensión del fascismo y una directa alusión a la invasión de Polonia por Hitler en 1939.
Alegoría del costo de la Segunda Guerra Mundial en Alemania, Madre Coraje canta:
"No dejaré que me hablen mal de la guerra.
Dicen que destruye a los débiles,
pero ésos revientan también en la paz.
Lo único que pasa es que la guerra alimenta mejor a sus hijos".

La Fura del Baus

La Fura dels Baus es un grupo de teatro catalán creado en 1979 por Marcel·lí Antúnez Roca, Quico Palomar, Carles Padrissa y Pere Tantinyà. Se define como un grupo de teatro urbano que busca un espacio escénico distinto del tradicional. A partir de los años ochenta, y con obras como Accions, Suz/o/Suz, Tier Mon, Noun, MTM y Manes, sus escenografías buscan la integración del público en el espectáculo e incluyen música, movimiento, uso de nuevas tecnologías y de materiales naturales e industriales. De este modo se busca superar los límites impuestos por la concepción habitual del espacio escénico, y que el actor y el autor logren formar una misma entidad a través de la creación colectiva.

Trayectoria

Durante los años noventa la compañía ha extendido sus proyectos artísticos al teatro de texto, el teatro digital, la ópera o la realización de grandes eventos, entre otras actividades.
La Fura dels Baus participó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 1992 de Barcelona. Firmas como Pepsi o Mercedes Benz le han encargado «acciones» de promoción.
Fiel a sus principios de creación participativa, La Fura desarrolla proyectos a través de Internet, como Work in progress 97, espectáculo en el que se conectaban escenas que ocurrían simultáneamente en diversas ciudades, dentro de un ámbito de teatro digital.
Con Atlántida de Manuel de Falla y El martirio de San Sebastián de Claude Debussy la compañía se ha adentrado en el mundo de la ópera. Ha preparado una puesta en escena de La condenación de Fausto de Héctor Berlioz para el Festival de Salzburgo de 1999. En febrero de 2007 La Fura realizó la representación de la ópera La fábula de Orfeo, de Claudio Monteverdi en las bodegas del barco «Naumon» en el Port Vell de Barcelona, en el 400 aniversario de su estreno en 1607 en el Palacio Ducal de los Gonzaga en Mantua (Italia) bajo la dirección del clavecinista y director barcelonés Àngel Villagrasa.
Participaron de la inauguración de los Juegos Mediterráneos de 2005 en Almería. También llevaron a cabo el espectáculo principal del cierre de las celebraciones por el Bicentenario del Levantamiento del dos de mayo en 2008 en la Plaza Mayor de Madrid. Por último, también se ha adentrado en la industria cinematográfica con la película Fausto 5.0. En el año 2012 llegaron al Teatro Colón de Buenos Aires.

Obras de Teatro

• F@ust 3.0 (1999)
• Las Troyanas (2001)
• Metamorfosi (2005)
• Boris Gudonov (2008)
• Window of the City (2010)
• Terra Baixa reloaded (2011)

Els Comediants

Els Comediants

Els Comediants. Compañía de teatro originaria de Cataluña (España). Nace el 19 de noviembre de 1971 en el entorno de la escuela de teatro independiente de Barcelona. Desde el principio apostaron por el estilo de teatro vanguardista que se hacía en el extranjero, basado en experiencias creativas colectivas sin texto ni directores, frente al teatro clásico que se hacía en España. La interdisciplinearidad es una de sus características: más allá de una compañía de teatro, son una "compañía de espectáculo" en la que mezclan el teatro con el circo, la música, el audiovisual, diseño, etc. Por ello, se definen a sí mismos como "un colectivo formado por actores, músicos y artistas de todo tipo dedicado por completo al mundo de la creación".
Son actualmente una de la compañías más prestigiosas del mundo en cuanto a la espectacularidad de sus montajes. Sus espectáculos, concebidos en la cúpula geodésica de La Vinya, masía situada en Canet de Mar (cerca de Barcelona), han sido llevados a los cinco continentes, desde Buenos Aires a Tokio, pasando por Nueva York, Madrid o París, y actuando tanto en grandes ciudades como en pequeños pueblos.
Els Comediants son una compañía coral, con multitud de actores. En los últimos 30 años han concebido una gran variedad de espectáculos, tanto de inspiración propia como por encargo. A menudo han solapado la representación de diferentes montajes, teniendo más de uno en cartel en diferentes momentos.
De entre todas sus obras, las más representadas han sido "El sol d'Orient" (546 actuaciones), "Catacroc" (325), "Ceremonia inaugural y pasacalles (223), "Anthología" (218) y "Sol, solet" (205).
Todos los montajes de Els Comediants se caracterizan por su gran espíritu festivo, la multitud de actores, la interrelación con el público. Todas sus creaciones tienen un gran significado inspirado en mitos, símbolos, rituales y ceremonias que celebran el paso cíclico de los humanos en la Tierra.
Els Comediants han tenido la responsabilidad de realizar espectáculos para los más prestigiosos eventos: desde la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, a la Exposición Universal de Sevilla 1992, la Expo de Lisboa'98, la Expo de Hanover'00, o el Fòrum de Barcelona'2004.
El montaje que concibió para la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona, en 1992, causó un gran impacto por su espectacularidad y originalidad, y creó una nueva tendencia imitada, desde entonces, en la mayoría de ceremonias de grandes eventos.
El director de escena de Els Comediants es, desde sus inicios, Joan Font.

Obras

• PLOU I FA SOL (21 de junio de 1976-29 de enero de 1977)
• DIMONIS (1 de marzo de 1981)
• EL SOL D'ORIENT (31 de marzo de 1999-30 de octubre de 1999)
• LA FLAUTA MÁGICA (11 de junio de 1999-22 de junio de 1999)
• MARAVILLAS DE CERVANTES
(31 de marzo de 2000- 19 de noviembre de 2000
• EL GRAN SECRETO y EL PEQUEÑO SECRETO

Els Joglars

Els Joglars

Els Joglars se han mantenido durante más de cincuenta años fieles al espíritu con que se fundó la compañía. Ya al escoger el nombre hicieron una declaración de principios: "Els Joglars" significa, en catalán, "los juglares", y hace referencia al papel que en la edad media ejercían los juglares, o al de los comediógrafos de la Grecia clásica. Para ellos, el teatro tenía una función social y política: la de hacer crítica social mediante la ironía y la fabulación, poniendo el dedo en la llaga de todas aquellas cuestiones incómodas para el poder establecido. Por ello, las obras de Els Joglars han sido tan elogiadas por la crítica teatral, como polémicas en lo político y social.
Desde 1966 hasta 1976 formó parte del grupo Jaume Sorribas.
Els Joglars se ha caracterizado siempre por su espíritu crítico frente a la actualidad política, y han incluido en sus obras a políticos de todas las tendencias, desde Franco hasta Jordi Pujol, pasando por Felipe González o Pasqual Maragall. También han ironizado ácidamente con personajes culturales como Salvador Dalí o Josep Pla, colocándolos como el contrapeso necesario a la política catalanista. Esta actitud ha conllevado al grupo diversos choques con las autoridades. El primero y más grave de ellos sucedió cuando el director de la compañía, Albert Boadella, fue detenido y encarcelado durante ocho días, en diciembre de 1977, por la representación de la obra La Torna, en el momento en que España transitaba de la dictadura a la democracia. Tras la restauración monárquica, el hecho de que Boadella nunca escondiera sus simpatías por el PSOE supuso a Els Joglars el veto de diversas televisiones públicas: en TV3 bajo el gobierno de Pujol en Cataluña, y en TVE bajo el gobierno de Aznar. Asimismo han sido declarado "non gratos" en diversos municipios.
En el año 2003 Els Joglars estrenó el primer largometraje cinematográfico escrito, dirigido e interpretado por la compañía, y producido por Andrés Vicente Gómez: "Buen viaje excelencia", una ácida y caricaturesca visión de los últimos días del dictador Franco. La película no fue exhibida por las grandes cadenas de cines españolas.
Hasta 2012 Els Joglars estuvo dirigida por Albert Boadella, y formada por Ramon Fontserè, Jesus Agelet, Pilar Sáenz, Minnie Marx, Jordi Costa, Xavier Boada, Dolors Tuneu, Lluís Elias, Josep Mª Fontserè, Pep Vila, Xavi Sais y el propio Boadella. El 11 de septiembre de 2012 Boadella traspasó la dirección a Ramon Fontseré.

Obras

• L'Odissea (1979)
• Laetius (1980)
• Operació ubú (1981)
• Franco en Vic (2003)
• El retablo de las maravillas. Cinco variaciones sobre un tema de Cervantes. (2004)
• La Dualidad Quijotesca de Dalí (2004)
• La torna de la torna (2005)
• La Cena (2008)
• 2036 Omena-G (2010)

El precio: Book-trailer

Buenas, aquí os dejamos un trailer book sobre la obra El precio, de Arthur Miller, del cual anteriormente se ha hablado.

Arthur Miller

Arthur Miller

Arthur Miller
Nombre	Arthur Asher Miller
Nacimiento	17 de octubre de 1915, Nueva York
Defunción	10 de febrero de 2005, Roxbury (Connecticut)

Biografía

Fue hijo de una familia de inmigrantes judíos polacos de clase media. Su padre, Isadore, poseía una próspera empresa textil, lo que permitió a la familia vivir en Manhattan, junto a Central Park. Sin embargo, la Gran Depresión acabó con la empresa familiar, por lo que la familia tuvo que mudarse a un modesto apartamento en Brooklyn. Este apartamento le serviría posteriormente como modelo de la vivienda del protagonista de Muerte de un viajante. Acabado el bachillerato, trabajó en un almacén de repuestos para automóviles para poder costearse la universidad. Estudió periodismo en la Universidad de Míchigan, en la cual recibió el primero de los premios de su vida, el Premio Avery Hopwood, gracias a uno de sus primeros trabajos, "Honor at Dawn". Tras su graduación (1938), se trasladó nuevamente a Nueva York, donde se ganó la vida escribiendo guiones radiofónicos. Se casó en tres ocasiones. El 5 de agosto de 1940 contrajo matrimonio con su novia del colegio, Mary Slattery, la hija católica de un vendedor de seguros. La pareja tuvo dos hijos, Jane y Robert (un director, escritor y productor). El matrimonio se divorció en 1956. También estuvo casado con Marilyn Monroe (1956-1961, divorciados) y con la fotógrafa de prensa Inge Morath (1962-2002, año en el que Inge muere). Con Inge tuvo dos hijos, el segundo de los cuales nació con síndrome de Down y fue internado en cuestión de días en una institución pública. Miller jamás hablaba de este hijo y mostraba escaso o nulo interés por él. Solo lo reconoció en su testamento, haciéndole heredero a partes iguales con sus tres hermanos.

Obras

• Los años dorados (The Golden Years)
• Recuerdo de dos lunes (A Memory of Two Mondays)
• El último Yankee (The Last Yankee)

El Rey León: El Musical

Buenas a todos. Creo que todo el mundo ha oído hablar de la famosa película "El Rey León" de Disney, pero también es importante señalar que se ha hecho un musical en Madrid recientemente, teniendo un grandísimo éxito.

Argumento

A medida que el sol se levanta, Rafiki el mandril convoca a los animales para que vayan a la Roca del Rey y saluda al rey Mufasa y a la reina Sarabi antes de presentar su cachorro a los animales ("El Ciclo Vital"). Por otra parte, el hermano de Mufasa, Scar , se lamenta ante la oportunidad perdida de convertirse en rey. De vuelta en su árbol, Rafiki pinta una imagen del cachorro y pide a los espíritus para conjurar el nuevo príncipe, Simba.
El tiempo pasa y Simba se convierte en un alegre y joven cachorro. Mufasa le muestra las Tierras del Reino desde la cima de la Roca del Rey y explica que todo lo que existe está en un equilibrio delicado conocido como el Círculo de la Vida. Mufasa advierte a Simba que no traspase los límites de las Tierras del Reino, señalando un área oscura en la distancia. Zazu, un cálao que actúa como asesor de Mufasa, llega y entrega su informe diario en el dominio del rey.
Simba va a ver a su tío Scar. El león despierta la curiosidad del cachorro al mencionar el cementerio de elefantes, donde le está prohibido ir. Simba llega a su casa y le pide a su mejor amiga, un cachorro hembra llamada Nala , para acompañarle al cementerio de elefantes. Les piden permiso a las leonas, y Sarafina (madre de Nala) y Sarabi aceptan con la condición de ir escoltado por Zazu. Simba y Nala idean un plan y logran bajar la guardia de Zazu, mientras que Simba se jacta de su futura posición. Los cachorros llegan al cementerio y comienzan a explorar. Zazu logra alcanzarles, pero se enfrenta a tres hienas: Shenzi, Banzai y Ed. Las hienas tienen intención de comer a los intrusos y presumen de su hallazgo. Mufasa rescata a los cachorros y ahuyenta a las hienas.
Mufasa está decepcionado y enfadado con la desobediencia imprudente de Simba, y explica la diferencia entre valentía y bravura. Mufasa le habla a Simba de los grandes reyes del pasado y la forma en que ven a través de todo, desde las estrellas. Mufasa dice que él también le estará ahí vigilando. Más tarde se analiza el comportamiento de Simba con Zazu, que recuerda a Mufasa que tenía la misma tendencia a meterse en problemas en la edad de Simba.
De vuelta en el cementerio de elefantes, Scar les cuenta a las hienas un plan para matar a Mufasa y a Simba para que pueda convertirse en rey. Levanta un ejército de hienas, con la promesa de que nunca tendrá hambre de nuevo si lo apoyan. Scar lleva a Simba a un barranco y le dice que espere allí. A la señal de Scar, las hienas hacen que haya una estampida de ñus en la garganta. Scar le dice a Mufasa que Simba está atrapado en la garganta. Mufasa salta a la estampida y se las arregla para salvar a su hijo, pero en su intento por escapar, Scar asesina a Mufasa arrojándolo al precipicio. Scar convence a Simba que la muerte de su padre fue por su culpa y le dice que huya corriendo, y, acto seguido, ordena a las hienas que le maten. Simba escapa pero las hienas se rinden y dicen que le matarán si volvía al reinado. Rafiki y las leonas lloran la muerte de los dos leones. Scar reclama el trono y permite que las hienas en las Tierras del Reino vivan con las leonas. Rafiki regresa a su árbol y borra las manchas del dibujo de Simba como significado de que el príncipe ha muerto.
En el desierto, Simba se derrumba de agotamiento por el calor . Los buitres comienzan a circular, pero se asustan por Timon el suricato y Pumba el jabalí. Simba se siente responsable de la muerte de Mufasa, pero el dúo llevan al cachorro a su casa en la selva y le muestran su manera despreocupada de la vida. Simba crece hasta la edad adulta en la selva.
El coro, vestido con ropas coloridas con títeres de aves ornamentales y las cometas, comienza la Segunda Ley. Cuando la canción termina, las hermosas aves son reemplazados por los buitres. Bajo el gobierno de Scar, el Círculo de la Vida está fuera de balance y una sequía ha afectado a las Tierras del Reino. Zazu, ahora prisionero de Scar, escucha los problemas del rey: las hienas se quejan de la falta de alimentos y Scar sólo se preocupa por sí mismo y por qué no es amado. Tiene visiones de Mufasa y cambia rápidamente entre la confianza y la desesperación delirante paranoide. Nala llega para hacer frente a la hambruna y Scar decide que va a ser su reina y le dará los cachorros. Nala le reprende ferozmente y decide abandonar las Tierras del Reino para encontrar ayuda.
En la selva, Timón y Pumba quieren dormir, pero Simba, inquieto, es incapaz de dormir. Molesto, Simba les deja, pero Timón y Pumba pierden su valor y le siguen. Simba salta al otro lado de un río de rápido movimiento y desafía a Timón a hacer lo mismo. Timón cae y es arrastrado aguas abajo. Él agarra una rama sobre una cascada y pide ayuda de Simba, pero Simba está paralizado por un flashback de la muerte de Mufasa. Timon se cae de la rama y Simba sale del trance, y rescata a su amigo. Simba se avergüenza de que Timon estuvo a punto de morir a causa de su imprudencia.
Los tres amigos se tumban en el suelo y se ponen a hablar de las estrellas. Simba recuerda las palabras de Mufasa, pero sus amigos se ríen de la idea de los reyes muertos mirándolos. Simba se va, que expresa su soledad y amargura recordando la promesa de que Mufasa esta allí para él. Rafiki oye la canción en el viento. la alegría le llega cuando se da cuenta de que Simba está vivo, y dibuja una melena en su pintura de Simba como símbolo de que ya es rey.
En la selva, Pumba es perseguido por una leona. Simba se enfrenta a ella y salva a su amigo, pero reconoce a la leona, que resulta ser Nala. Ella se sorprende al encontrar a Simba con vida, consciente de que él es el legítimo rey. Timon y Pumba se confunden, pero Simba y Nala les piden que los dejen solos. Timon da cuenta de lo que está sucediendo y lamenta el final del estilo de vida que Simba había tenido hasta entonces. Nala le dice a Simba lo que está pasando en las devastadas Tierras del Reino, pero Simba todavía se siente responsable de la muerte de Mufasa y se niega a volver.
Por su cuenta, Simba conoce a Rafiki, quien explica que su padre sigue vivo. El espíritu de Mufasa aparece en el cielo y le dice a Simba que él es el rey verdadero y debe tomar su lugar en el Círculo de la Vida. Simba encuentra su valor y se dirige a su casa. Mientras tanto, Nala despierta a Timon y Pumba para preguntarles dónde está Simba, y Rafiki aparece para decirles todas las noticias. Los tres van con él en las Tierras del Reino, donde Simba es testigo de la ruina de su casa. Timon y Pumba distraen a las hienas bailando, permitiendo que Simba y Nala lleguen a la Roca del Rey.
Scar llama a Sarabi y exige saber por qué las leonas no están a la caza. Sarabi le responde que no hay nada para cazar y airadamente compara con Mufasa a Scar y éste la golpea. Enfurecido, Simba se revela. Scar le arrincona. Creyendo que ha ganado, Scar se burla de Simba por no admitir que mató a Mufasa. Luego confiesa lo que hizo. Furioso, Simba se recupera y Scar obliga a revelar la verdad a las leonas. Los amigos de Simba empiezan a luchar contra las hienas mientras Simba y Scar luchan en la cima de la Roca del Rey. Scar ruega por su vida, culpando a las hienas para todo. Simba le permite dejar fuera de la misericordia, pero Scar ataca de nuevo. Simba bloquea el ataque y cae desde el acantilado. Las hienas, que oyeron cómo Scar les traicionaba, se lo comen.
Con la batalla ganada, amigos de Simba pasan al frente y reconocen a Simba como el legítimo rey. Simba asciende la Roca del Rey y ruge por todo el reino. Las Tierras del Reino vuelven a llenarse de vida y los animales se reúnen en celebración y, como al principio, Rafiki presenta al recién nacido hijo de Simba y Nala, continuando el ciclo de la vida.

Videos

Ramón María del Valle-Inclán

Buenas, como gallegos queremos empezar esta 3ª evaluación hablando de un autor gallego, pero que escribió obra en castellano.

Valle-Inclán

Valle-Inclán
Nombre	Ramón María del Valle-Inclán
Nacimiento	28 de octubre de 1866 (Villanueva de Arosa, Pontevedra, España)
Defunción	5 de enero de 1936 (69 años) (Santiago de Compostela, España)

Ramón María del Valle-Inclán, también conocido simplemente como Valle-Inclán, nació el 28 de octubre de 1866 en Vilanovo de Arousa, Pontevedra, España, y murió el 5 de enero de 1936 con 69 años en Santiago de Compostela, España. Fue un dramaturgo que formó parte del Modernismo español.

Vida

Valle nació en la localidad de Villanueva de Arosa (pueblo de provincia de Pontevedra) al borde de la Ría y frente a la isla de Arosa
La fortuna familiar heredada por el padre fue dilapidándose poco a poco, y esto obligó a la familia a llevar una vida más modesta. Es muy posible que Ramón y sus hermanos fueran criados comoseñoritos de pueblo. Dispuso en su infancia de la buena biblioteca paterna y se le asignó como preceptor un clérigo de la Puebla del Deán (de apodo bichuquino y nombre Carlos Pérez Noal) con el que estudió gramática latina. A la edad de nueve años acomete Ramón su ingreso en el Instituto de Segunda Enseñanza primero en Santiago y posteriormente en un Instituto de Pontevedra hasta 1885. Durante este periodo el bachillerato fue ejecutado sin el menor interés por su parte. En ese tiempo ejerció una gran influencia sobre él Jesús Muruáis, siendo decisivo en su formación literaria posterior. El 29 de abril de 1885 acaba sus estudios de bachillerato, tiene diecinueve años. Toda la familia se había trasladado unos años antes a la capital de la provincia donde el padre había conseguido que lo nombraran Secretario del Gobierno Civil.
En septiembre de 1885, sin convicciones y siguiendo la imposición directa de su padre, comenzó a estudiar Derecho en la Universidad de Santiago de Compostela con resultados igualmente irregulares. Valle-Inclán no tiene preferencia por ninguna carrera siéndole todas iguales. Desde los primeros instantes universitarios solicitó examinarse por libre de algunas asignaturas. Disponiendo de poco dinero, impartía clases particulares de latín y frecuentaba más los cafés que las aulas, siendo también asiduo de la biblioteca de la universidad. Pudo vérsele por el Ateneo Compostelano y frecuentando los espacios literarios. En esos años trabó amistad con aquellos que más tarde llegarían a ser figuras relevantes del mundo de la cultura y de la política gallega También trabó amistad con el florentino Attilio Pontanari del que aprendería esgrima y nociones de italiano. En el año 1888 se matriculó en «Dibujo y adorno de figura» en la Escuela de Artes y Oficios. Ramón se hizo pronto uno de los estudiantes más populares de la Universidad.
En esta época publica sus primeros trabajos literarios en la revista Café con gotas de Santiago de Compostela, y en 1889 su cuento A media noche, en la barcelonesa La Ilustración ibérica; participando activamente, junto a su hermano Carlos, en la vida periodística de la ciudad. La visita de José Zorrilla a Santiago de Compostela para dar una conferencia en la universidad a la que asiste Valle, le produce una honda impresión, quedando seducido por la figura del escritor consagrado. Es en estos años en los que comenzó a arraigar en él su vocación literaria.
El 14 de octubre de 1890, con la muerte de su padre en Villanueva, y con la edad de veintidós años es liberado del compromiso paterno, abandonó la carrera de derecho por la que no sintió ningún interés, y regresó a Pontevedra. Lleva ya cinco años en la universidad compostelana y no ha pasado del tercer año de la carrera de Derecho. Piensa en ir a Madrid y comenzar en esa ciudad una nueva vida. La herencia del padre no ha sido de mucha cuantía y no le da para vivir.
Tras una hipotética estancia en Italia aún por documentar, viaja a Madrid a finales de 1890. La situación política de España es mala y en lugares públicos madrileños se vocifera, se exponen ideas contrapuestas y se solicitan soluciones. La primera estancia en Madrid supone dos años en la vida de Ramón. En Madrid frecuenta los abundantes cafés de la Puerta del Sollugar de tertulia habitual, en ellas participa de forma expresiva y se hace conocer (resulta gracioso con su acento y su particular ceceo). Es irreductible en sus opiniones. En estas primeras visitas a los cafés va configurando su personalidad, su mundo, que acabaría haciéndolo famoso en las sociedades y tertulias de Madrid.
Colabora en diarios como El Globo que publica algunos de sus artículos y cuentos, y La Ilustración Ibérica, y dedica gran parte de su tiempo libre a asistir a representaciones del género chico. No es todavía considerado públicamente un escritor, las colaboraciones periodísticas que hace son para ganar algo de dinero, considerando poco afán por el oficio periodístico. La asistencia apeñas y tertulias de la época empieza a establecerse, se hace famoso en ellas por su ingenio. A pesar de sus esfuerzos abandona la capital sin lograr un sustento estable, la decisión parece ser tomada de forma inmediata.
Su atuendo se hace peculiar, y la barba se alarga en lo que será su estética habitual. Vive con escaso dinero rozando la penuria y su solitario café en los cenáculos de las tertulias. En esta segunda etapa madrileña se dedica a la vida bohemia en cuerpo y alma, vive la época: la disfruta y la padece. Vive la bohemia literaria modernista con estrecheces económicas que incluso le obligan a pasar hambre. Habita en un patio de viviendas en la calle Calvo Asensio, 4, del barrio de Argüelles, entonces suburbio de Madrid, en una buhardilla alquilada con dos oscuros cuartuchos con una silla, una mesa y una cama como único mobiliario. De esta época inicial en Madrid se narra una anécdota de Valle-Inclán en el que paseando por la madrileña Carrera de San Jerónimo se encuentra con Miguel de Unamuno y Pío Baroja, los tres hostiles entre sí en lo que se refiere a teorías literarias, no reconociéndose ningún mérito entre ellos. A pesar de presentar Pío Baroja a Valle-Inclán y Miguel de Unamuno, no pasan ni ochenta pasos sin que acabaran insultándose, gritándose y finalmente separándose antes de acabar el paseo por la calle. Los tres eran representantes de la Generación del 98, los tres dejaron impronta de su independencia. En el año 1897 se publica su segundo libro, Epitalamio (Historias de amores), sin demasiado éxito entre los lectores; el libro se vende mal. Durante estos años, participó como actor en obras teatrales como La comedia de las fieras, de Jacinto Benavente, o Los reyes en el destierro, adaptación por Alejandro Sawa de una novela de Alphonse Daudet. Durante la guerra Hispano-Estadounidense las afinidades sentimentales hacen que Ramón tome partido por las aspiraciones cubanas a la independencia de España.
El 24 de julio de 1899, en una discusión en el Café Nuevo de la Montaña, ubicado en la planta baja del Hotel París, sito en la Puerta del Sol, 2, el periodista Manuel Bueno Bengoechea le causa una herida en un antebrazo que termina gangrenándose y se hace necesaria su amputación.
Según cuentan la entereza de Valle-Inclán fue tal, que durante la operación del doctor Barragán, estuvo despierto y se desmayó sólo una vez, siendo conocido que casi al final de la operación sugiere a los asistentes deseos de fumar, y durante los últimos instantes se fuma un habano, haciendo ascender al techo grandes volutas de humo. Valle-Inclán tenía entonces treinta y tres años. A partir de ahora la imagen de manco se hace mítica. Algunos amigos deciden organizar un festival y conseguir fondos para comprarle un brazo ortopédico, estrenando en el Teatro Lara, el 19 de diciembre de ese año de 1899 su obra Cenizas: Drama en tres actos, con dirección del propio Valle-Inclán. La siguiente vez que se encuentra con Manuel Bueno le estrecha la mano. Tras el incidente regresa a vociferar a los cafés, al mismo tiempo que la manquedad le hace olvidarse de sus pretensiones de ser actor de teatro.
En el mismo periodo finisecular colabora en diversas revistas literarias, como La vida literaria, dirigida por Benavente, Revista Nueva, dirigida por Luis Ruiz Contreras, Germinal dirigida por Joaquín Dicenta o Vida Nueva dirigida por Eusebio Blasco. El año de su manquedad es el año en el que inicia su amistad con Rubén Darío recién llegado a Madrid y al que conoce cuando asiste a la tertulia literaria del Cafe de Madrid, que dirigía junto a Jacinto Benavente.

A iniciativa de Victoriano García Martí, se abre en Galicia una subscripción pública para regalar a Ramón un pazo en octubre a sus sesenta y nueve años. La idea de tal regalo llega tarde ya que el 5 de enero del año 1936, víspera de la festividad de la Epifanía, tras negarse a recibir auxilio religioso Valle-Inclán muere. El parte a la prensa dice que murió: «a consecuencia de un coma rápido, después de una grave enfermedad de vejiga urinaria complicada con carácter de malignidad». Fue sepultado al día siguiente, en el cementerio de la Boisaca, en una ceremonia civil y en humilde féretro sin esquelas. Tal y como dispuso días antes de su muerte, en el que precisó que: «No quiero a mi lado ni cura discreto, ni fraile humilde, ni jesuita sabiondo». El escultor Francisco Asorey realizó la mascarilla mortuoria de su faz y el pintor Juan Luis le dibujó de cuerpo yacente. Manuel Azaña escribe al día siguiente del entierro: «Él hubiese querido ser, no el hombre de hoy, sino el de pasado mañana». A partir de ese instante comenzaron una innumerable cantidad de eventos póstumos.
A la muerte de Valle-Inclán, la que fue su mujer y madre de sus hijos, que se hallaba viviendo en Barcelona, consigue una pensión compensatoria del Ministerio de Instrucción Pública del Gobierno del Frente Popular, para la educación de sus hijos.

Obras

Valle-Inclán fue un autor que destacó en el teatro.

• Cenizas. Drama en tres actos
• Cuento de abril. Escenas rimadas en una manera extravagante
• Voces de gesta. Tragedia pastoril
• Luces de bohemia. Esperpento
• La hija del capitán. Esperpento
• Martes de Carnaval. Esperpentos

Imágenes y Videos

Caligramas

Todo el mundo sabe lo que es un caligrama, ¿no si? Si no lo sabéis, aquí os dejo un enlace donde lo podéis averiguar.
A continuación, os dejamos unos caligramas hechos por nosotros.

Caligrama de David

Caligrama de Diego

Obras de Dylan Thomas

Bajo el bosque lácteo

"Bajo el bosque lácteo" "Under Milk Wood"
Género	Radioteatro
Fecha de publicación	1954

Bajo el bosque lácteo (en inglés, Under Milk Wood) es una pieza de radioteatro del escritor galés Dylan Thomas, posteriormente adaptada para su representación en el teatro. También existe una adaptación cinematográfica de 1972, con Richard Burton y Elizabeth Taylor, dirigida por Andrew Sinclair.

Estructura

En Bajo el bosque lácteo, un narrador omnisciente invita a los oyentes a escuchar los sueños y pensamientos íntimos de los habitantes de una imaginaria localidad galesa, "Llareggub" (inversión de bugger all, traducible aproximadamente como "iros todos al carajo"), eufemísticamente transformado en ediciones tempranas en "Llaregyb". Entre los personajes principales, cuyos nombres son casi siempre simbólicos, se encuentran el Capitán Cat, que revive su época de marino; las dos señoras. Dai Breads; Organ Morgan, obsesionado con su música; o Polly Garter, que suspira por su amante muerto. Tras este inicio onírico, el pueblo despierta y cada personaje se sumerge en sus quehaceres cotidianos.
Dado su origen radiofónico, el texto está compuesto únicamente por diálogo, con escasas anotaciones sobre los efectos de sonido o el modo de leer el texto. Dos voces ("voz primera" y "voz segunda") hacen las veces de narradores. Bajo el bosque lácteo, como el resto de la producción de Dylan Thomas, se caracteriza por un lenguaje rítmico y surrealista, y un cierto trágico sentido del humor.

Valoración personal

Es una obra en la cual te permite pensar sobre tus sentimientos interiores.
--------------------------------------------------------------------------------------------

El doctor y los demonios

"El doctor y los demonios" "The Doctor and the Devils and Other Scripts"
Género	Drama
Fecha de publicación	1954

Interesante libro/guion de dylan thomas, sobre el robo de cadaveres en la epoca en que la experimentacion con muertos para la investigacion en la anatomia estaba prohibida.

Estructura

Prosaísmos, evocación no transfigurada de la realidad, lenguaje coloquial y todo lo que sea sórdido y desquiciado y no conserve un hálito elemental de lirismo puro, romantizante. Si a veces el desgarro y la vulgaridad del mundo moderno aparecen en sus versos es de una manera indirecta, simbólica, antieliotiana, como para justificar que no es un esteta y que vive los problemas de su tiempo.

Valoración personal

La degeneracion de la humanidad del ladron que por dinero va perdiendo los minimos escrupulos que "nunca tuvo" y la despreciable utilizacion de ese dinero para embrutecerse aun mas, la resolucion del cientifico irónico, soberbio y a su vez consciente de su participacion en algo turbio. los prejucios de una epoca, las distintas opciones morales ante un dilema.

--------------------------------------------------------------------------------------------

Obras de Charles Baudelaire

Las flores del mal

Las flores del mal "Les Fleurs du mal"
Género	Poesía
Fecha de publicación	23 de junio de 1857 (Francia)

Las Flores del mal (título original en francés: Les Fleurs du mal) es una colección de poemas de Charles Baudelaire. Considerada la obra máxima de su autor, abarca casi la totalidad de su producción poética desde 1840 hasta la fecha de su primera publicación.
La primera edición constó de 1.300 ejemplares y se llevó a cabo el 23 de junio de 1857. La segunda edición de 1861 elimina los poemas censurados, pero añade 30 nuevos. La edición definitiva será póstuma, en 1868 y, si bien no incluye los poemas prohibidos, añade algunos más. En esta versión consta de 151 poemas. La censura que recayó sobre algunos de sus poemas no será levantada en Francia hasta 1949.
Las Flores del mal es considerada una de las obras más importantes de la poesía moderna, imprimiendo una estética nueva, donde la belleza y lo sublime surgen, a través del lenguaje poético, de la realidad más trivial, aspecto que ejerció una influencia considerable en poetas como Paul Verlaine, Stéphane Mallarmé o Arthur Rimbaud.

Estructura

A lo largo de toda la obra, Baudelaire juega sobre las correspondencias verticales y horizontales que más adelante inspirarán a otros muchos poetas, toda su obra se construye como un itinerario moral, espiritual y físico. Baudelaire divide el libro en siete partes, introducidas por el famoso poema Al lector: Esplín e ideal, Cuadros parisinos, El vino, Flores del mal y Rebelión, con una conclusión final: La muerte. Esta obsesión de que no consideraran su libro como una mera recopilación de poemas, si no como un «libro» con principio y fin, en el que todos los poemas se subordinaba general rigurosa, influirá desde poetas como Stéphane Mallarmé hasta Jorge Guillén, en su obra Aire nuestro, y dará lugar a una serie de investigaciones sobre la posible asociación numerológica o astrológica y hasta con paralelismo con la Divina comedia.

Valoración personal

A pesar de ser un libro de poesía muy largo y pesado para mi gusto, creo que tiene algo maravilloso, pero no se lo que es. El que el poeta juegue con la poesía modernista es algo increíble.
-----------------------------------------------------------------------------------------------

Los paraísos artificiales

Los paraisos artificiales "Les Paradis artificiels"
Género	Poesía
Fecha de publicación	23 de junio de 1857 (Francia)

Los paraísos artificiales es un ensayo de Charles Baudelaire publicado en 1860, donde el poeta narra su experiencia de hachís y de opio. La expresión habría sido flores, pero las palabras "paraísos artificiales" designan en la actualidad toda droga (en particular las alucinógenas como la mescalina o el LSD) consumida con el objeto de estimular la creatividad poética y la invención de imágenes inéditas. Estas experiencias con las drogas (que pueden ir hacia la dependencia o la intoxicación, como Thomas de Quincey) y, de una manera más general, una vía que comporta riesgos importantes para la estabilidad mental, se integra en la concepción "decadente" de los "poetas malditos".

Estructura

La obra se divide en dos partes: Un comedor de opio y El poema del hachís.

Valoración personal

Me parece un gran tema a tratar en el que el autor supera su adición a las drogas.

Dylan Thomas

Dylan Thomas

Dylan Thomas
Nombre	Dylan Marlais Thomas
Nacimiento	27 de octubre de 1914; Swansea (Gales)
Defunción	9 de noviembre de 1953; Nueva York

Dylan Marlais Thomas (Swansea, Gales, 27 de octubre de 1914 – † Nueva York,9 de noviembre de 1953) fue un poeta, escritor de cuentos y dramaturgo galés.
Si hay que hablar de figuras poéticas que reverdecieron la literatura inglesa de la primera mitad del siglo XX, hay que remitirse obligadamente a la figura de Dylan Thomas (1914-1953). Famoso por ser un bohemio y un borracho redomado, famoso también por su vozarrón cautivante, que atraía, cual cantante juvenil, a cientos de personas a sus recitales poéticos, o a pegarse al receptor cuando hablaba en la BBC. Poeta precoz y repentinamente fallecido, el caos y el exceso fueron su camino a la genialidad.

Vida

Dylan Marlais Thomas nació en Swansea, Gales, en 1914. Su precocidad se nota ya desde su infancia, a los 4 años es capaz de recitar de memoria Ricardo II de Shakespeare, preconfigurando no solamente su singularidad, sino también sus dotes histriónicas. Su padre, David John Thomas (1876–1952), un escritor frustrado, graduado con honores de la Universidad de Aberystwyth y profesor de una escuela primaria (la Swansea Grammar School, donde estudió Dylan) vio en su hijo el enorme talento que estaba germinando e impulsó su formación.
A los 16 años Thomas abandonó la escuela para convertirse, a instancias de su padre, en periodista del South Wales Evening Post. Es en esta publicación donde se desatan las dotes de escritor de Thomas. Redactó obituarios poéticamente, y críticas de cine y teatro donde no dejó títere con cabeza, despedazando a lo más granado de las tablas galesas de por aquel entonces (ya muestra su propensión al escándalo). Después de una ardua jornada de trabajo solía apagar su sed insaciable en el bar del Antelope Hotel o en el bar del Mermaid Hotel, donde escuchaba las historias de los marineros ingleses, mientras se embriagaba hasta la médula. Tras 18 meses de labor en el South Wales Evening Post abandonó el trabajo bajo mucha presión. Se unió a un grupo teatral en Mumbles llamado Little Theatre, aunque prosiguió con su labor periodística de manera independiente. Sin embargo, el periodismo no resultaría ser la meta de su destino, la poesía —su “oficio u hosco arte”— lo arrastraría definitivamente hacia sus dominios.

Obras

"Bajo el bosque lácteo"

"El doctor y los demonios"

William Butler Yeats

William B. Yeats

William B. Yeats
Nombre	William Butler Yeats
Nacimiento	13 de junio de 1865 Dublín (Irlanda)
Defunción	28 de enero de 1939 Roquebrune-Cap-Martin (Francia)

William Butler Yeats (Dublín, 13 de junio de 1865 - Roquebrune-Cap-Martin, Francia, 28 de enero de 1939) fue poeta y dramaturgo irlandés. Envuelto en un halo de misticismo, Yeats ha sido una de las figuras más representativas del renacimiento literario irlandés y fue uno de los fundadores del Abbey Theatre. También ejerció como senador. Fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1923.

Vida

William Butler Yeats nació en Georgeville en Dublín (Irlanda), como hijo del pintor John Butler Yeatsy de Susan Pollexfen Yeats. Su abuelo, llamado también William Butler Yeats, era rector de la Iglesia Irlandesa, pero su padre era un nacionalista escéptico y ateo. El carácter del joven poeta combinó ambos mundos en un extraño misticismo que le permitía a la vez rechazar la religión tradicional y el cientifismo estéril.

En 1867, a los dos años, se trasladó con su familia a Londres. Allí permaneció apenas cinco años, ya que regresó con su madre y sus hermanos a la casa de sus abuelos William y Elizabeth Pollexfen en Merville. Allí se empapó de los cuentos de hadas que contaba la gente sencilla de Irlanda; su misma madre le contó muchas historias de duendes y gnomos, mientras que los campesinos relataban experiencias con la "gente pequeña". Sin duda este periodo marcó para siempre su carácter.

En octubre de 1874 regresa de nuevo con su familia a Londres y se instala en Edith Villas. Allí su padre se relaciona con un grupo de pintores de la Hermandad Prerrafaelista. Tres años más tarde, William comienza sus estudios, pero ante el escaso éxito de su padre como pintor marchan en el verano de 1881 a Balscadden Cottage, cerca de Dublín. Yeats comienza a escribir y leer poesía. Estudia en la Erasmus Smith High School hasta diciembre de 1883, de forma poco aplicada y distraída, ya que lo único que parecía interesarle de verdad era la poesía.

En 1884 intentó en vano acceder al Trinity College; más tarde y a su pesar ingresa en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín, donde estudia pintura. Allí conoce a George Russell, y este le inicia en el mundo de lo esotérico y sobrenatural. Comienza a escribir poesía simbolista y a experimentar con visiones y alucinaciones. Detesta la ciencia, a la que veía en contraste directo con la poesía, la belleza y la verdad, y, tras renunciar al credo protestante en 1880, empieza a sentirse atraído por el Budismo.

Durante su época teatral el poeta norteamericano Ezra Pound empieza a trabajar como secretario suyo y le descubre la literatura japonesa; tras conocer a una joven medium, George Hyde-Lees, Yeats compra una torre normanda en Kiltartan Cross y se casa con Hyde-Lees en 1918. Fue una buena decisión, pues puso en orden la vida del poeta y renovó su poesía incitándole a experimentar con la escritura automática. Tras la independencia de Irlanda, es elegido senador por este nuevo país en 1922 y permanece en el cargo hasta 1928. En 1923 recibe el premio Nobel de literatura.

Este fue el período más fecundo de Yeats, el de su madurez y vejez. Destacan los volúmenes de poesía El casco verde, Responsabilidades y Los cisnes salvajes de Coole, en los que se evidencia una profunda evolución de su lenguaje lírico, que se hace personal, vigoroso, exacto y deslumbrante. En 1925 escribió el tratado Una visión, donde expresa su creencia en la íntima relación entre la imaginación poética y la realidad universal. Según el historiador Giordano Berti (en Claves y secretos del Tarot, Barcelona, Salvat, 2005, p. 23) en esta obra, la más misteriosa del poeta irlandés, vive el recuerdo de la enseñanza esotérica de la Golden Dawn sobre el Tarot; las "28 incarnaciones", como explicaba Yeats, son fases de la transformación del ser. De este material nacieron, por sugerencia de su secretario Ezra Pound, hermosas colecciones poéticas como La torre (1928), La escalera de caracol (1933) y Últimos poemas y obras de teatro, que incluye el celebrado «Bizancio», con las que Yeats alcanzó el cénit de su lírica.

Su poesía, a pesar de su espíritu innovador, generalmente se caracterizó por su cuidado formal, el simbolismo y ciertos toques que anticipan elsurrealismo. El 28 de enero de 1939 fallece en la localidad francesa de Menton a los 73 años.

Obras

Mosada

Los cisnes salvajes de Coole

Charles Baudelaire

Charles Baudelaire

Charles Baudelaire
Nombre	Charles Pierre Baudelaire
Nacimiento	9 de abril de 1821, París (Francia)
Defunción	31 de agosto de 1867 (46 años), París (Francia)

Charles Baudelaire (9 de abril de 1821 - 31 de agosto de 1867) fue un poeta, crítico de arte y traductor francés. Fue llamado poeta maldito, debido a su vida de bohemia y excesos, y a la visión del mal que impregna su obra. Barbey d'Aurevilly, periodista y escritor francés, dijo de él que fue el Dante de una época decadente. Fue el poeta de mayor impacto en el simbolismo francés. Las influencias más importantes sobre él fueron Théophile Gautier, Joseph de Maistre (de quien dijo que le había enseñado a pensar) y, en particular, Edgar Allan Poe, a quien tradujo extensamente.

Vida

Su padre, Joseph François Baudelaire, fue también profesor de dibujo, pintor y funcionario jefe del Despacho de la Cámara de los Pares. Joseph le enseñó las primeras letras. Cuando nació Charles, su padre tenía la edad de sesenta años, y un hijo, Claude Alphonse, fruto de su primer matrimonio. Su madre fue Caroline Archimbaut-Dufays, quien no llegaba a los treinta años al nacer Baudelaire. Era hija de emigrantes franceses a Londres durante la revolución de 1793. Enseñó inglés a su hijo. Fue criado por la sirvienta de la familia. Se conoce muy poco sobre ella, Mariette, pero se intuye que debió de tener gran peso en la familia. Baudelaire la recuerda en un poema aparecido en Las flores del mal.

En 1840 Baudelaire se matricula en la Facultad de Derecho. Comienza a frecuentar a la juventud literaria del Barrio Latino y conoce a nuevas amistades, como Gustave Levavasseur y Ernest Prarond. También entabla amistad con Gérard de Nerval, con Sainte-Beuve, Théodore de Banville y Balzac. Intima igualmente con Louis Ménard, poeta y químico. Comienza a llevar una vida despreocupada; los altercados con la familia son constantes debido a su adicción a las drogas y al ambiente bohemio. Frecuenta prostíbulos y mantiene relaciones con Sarah, una prostituta judía del Barrio Latino. Charles la denomina La Louchette (la bizca). Además de torcer la vista, era calva. Probablemente fue ella quien le contagió la sífilis. Dentro de su obra capital, Las flores del mal, Baudelaire se refiere a Sarah en un poema, probablemente escrito en el momento en que dejó de verla asiduamente, reanudando sus relaciones con su otra amante, Jeanne Duval.

Comprometido por su participación en la revolución de 1848, la publicación de Las flores del mal, en 1857, acabó de desatar la violenta polémica gestada en torno a su persona. Los poemas (las flores) fueron considerados «ofensas a la moral pública y las buenas costumbres» y su autor fue procesado. Ante tales acusaciones Baudelaire respondió: Todos los imbéciles de la burguesía que pronuncian las palabras inmoralidad, moralidad en el arte y demás tonterías me recuerdan a Louise Villedieu, una puta de a cinco francos, que una vez me acompañó al Louvre donde ella nunca había estado y empezó a sonrojarse y a taparse la cara. Tirándome a cada momento de la manga, me preguntaba ante las estatuas y cuadros inmortales cómo podían exhibirse públicamente semejantes indecencias.

En 1864 viaja a Bélgica y residirá dos años en Bruselas. Allí intenta ganarse la vida dictando conferencias sobre arte, pero son un fracaso. En la primavera se encuentra con su editor. Sólo consigue dar tres conferencias sobre Delacroix, Gautier y Los paraísos artificiales, con escasa asistencia de público. Intenta una edición de su obra completa, pero fracasa; se venga de la falta de aceptación escribiendo un panfleto titulado ¡Pobre Bélgica! Lasífilis que padecía le causó un primer conato de parálisis en (1865), y los síntomas de afasia y hemiplejía, que arrastraría hasta su muerte, aparecieron con violencia en marzo de 1866, cuando sufrió un ataque en la iglesia de Saint Loup de Namur. Trasladado urgentemente por su madre a una clínica de París, permaneció sin habla, pero lúcido, hasta su fallecimiento, en agosto del año siguiente. Fue enterrado en el Cementerio de Montparnasse, junto a la tumba de su padrastro. Su epistolario se publicó en 1872; los Journaux intimes (que incluyen Cohetes y Mi corazón al desnudo), en 1909; y la primera edición de sus obras completas, en 1939.

Obras

Los paraísos artificiales

Las flores del mal

José Hierro: Homenaje

Un pequeño homenaje al escritor José Hierro.

Poemas de Antonio Machado: Campos de Soria

Campos de Soria

I
Es la tierra de Soria árida y fría.
Por las colinas y las sierras calvas,
verdes pradillos, cerros cenicientos,
la primavera pasa
dejando entre las hierbas olorosas
sus diminutas margaritas blancas.

La tierra no revive, el campo sueña.
Al empezar abril está nevada
la espalda del Moncayo;
el caminante lleva en su bufanda
envueltos cuello y boca, y los pastores
pasan cubiertos con sus luengas capas.


II
Las tierras labrantías,
como retazos de estameñas pardas,
el huertecillo, el abejar, los trozos
de verde obscuro en que el merino pasta,
entre plomizos peñascales, siembran
el sueño alegre de infantil Arcadia.

En los chopos lejanos del camino,
parecen humear las yertas ramas
como un glauco vapor ?las nuevas hojas?
y en las quiebras de valles y barrancas
blanquean los zarzales florecidos,
y brotan las violetas perfumadas.


III
Es el campo undulado, y los caminos
ya ocultan los viajeros que cabalgan
en pardos borriquillos,
ya al fondo de la tarde arrebolada
elevan las plebeyas figurillas,
que el lienzo de oro del ocaso manchan.

Mas si trepáis a un cerro y veis el campo
desde los picos donde habita el águila,
son tornasoles de carmín y acero,
llanos plomizos, lomas plateadas,
circuidos por montes de violeta,
con las cumbres de nieve sonrosado.


IV
¡Las figuras del campo sobre el cielo!
Dos lentos bueyes aran
en un alcor, cuando el otoño empieza,
y entre las negras testas doblegadas
bajo el pesado yugo,
pende un cesto de juncos y retama,
que es la cuna de un niño;

y tras la yunta marcha
un hombre que se inclina hacia la tierra,
y una mujer que en las abiertas zanjas
arroja la semilla.

Bajo una nube de carmín y llama,
en el oro fluido y verdinoso
del poniente, las sombras se agigantan.


V
La nieve. En el mesón al campo abierto
se ve el hogar donde la leña humea
y la olla al hervir borbollonea.

El cierzo corre por el campo yerto,
alborotando en blancos torbellinos
la nieve silenciosa.

La nieve sobre el campo y los caminos,
cayendo está como sobre una fosa.

Un viejo acurrucado tiembla y tose
cerca del fuego; su mechón de lana
la vieja hila, y una niña cose
verde ribete a su estameña grana.

Padres los viejos son de un arriero
que caminó sobre la blanca tierra,
y una noche perdió ruta y sendero,
y se enterró en las nieves de la sierra.

En torno al fuego hay un lugar vacío
y en la frente del viejo, de hosco ceño,
como un tachón sombrío
¿tal el golpe de un hacha sobre un leño?.

La vieja mira al campo, cual si oyera
pasos sobre la nieve. Nadie pasa.

Desierta la vecina carretera,
desierto el campo en torno de la casa.

La niña piensa que en los verdes prados
ha de correr con otras doncellitas
en los días azules y dorados,
cuando crecen las blancas margaritas.


VI
¡Soria fría, Soria pura,
cabeza de Extremadura,
con su castillo guerrero
arruinado, sobre el Duero;
con sus murallas roídas
y sus casas denegridas!

¡Muerta ciudad de señores
soldados o cazadores;
de portales con escudos
de cien linajes hidalgos,
y de famélicos galgos,
de galgos flacos y agudos,
que pululan
por las sórdidas callejas,
y a la medianoche ululan,
cuando graznan las cornejas!

¡Soria fría! La campana
de la Audiencia da la una.
Soria, ciudad castellana
¡tan bella! bajo la luna.


VII
¡Colinas plateadas,
grises alcores, cárdenas roquedas
por donde traza el Duero
su curva de ballesta
en torno a Soria, obscuros encinares,
ariscos pedregales, calvas sierras,
caminos blancos y álamos del río,
tardes de Soria, mística y guerrera,
hoy siento por vosotros, en el fondo
del corazón, tristeza,
tristeza que es amor! ¡Campos de Soria
donde parece que las rocas sueñan,
conmigo vais! ¡Colinas plateadas,
grises alcores, cárdenas roquedas!...


VIII
He vuelto a ver los álamos dorados,
álamos del camino en la ribera
del Duero, entre San Polo y San Saturio,
tras las murallas viejas
de Soria ?barbacana
hacia Aragón, en castellana tierra?.

Estos chopos del río, que acompañan
con el sonido de sus hojas secas
el son del agua, cuando el viento sopla,
tienen en sus cortezas
grabadas iniciales que son nombres
de enamorados, cifras que son fechas.

¡Álamos del amor que ayer tuvisteis
de ruiseñores vuestras ramas llenas;
álamos que seréis mañana liras
del viento perfumado en primavera;
álamos del amor cerca del agua
que corre y pasa y sueña,
álamos de las márgenes del Duero,
conmigo vais, mi corazón os lleva!


IX
¡Oh, sí! Conmigo vais, campos de Soria,
tardes tranquilas, montes de violeta,
alamedas del río, verde sueño
del suelo gris y de la parda tierra,
agria melancolía
de la ciudad decrépita.

Me habéis llegado al alma,
¿o acaso estabais en el fondo de ella?

¡Gentes del alto llano numantino
que a Dios guardáis como cristianas viejas,
que el sol de España os llene
de alegría, de luz y de riqueza!

Videos

Imágenes

Valoración personal

Carlos: Es un poema un poco largo, pero bonito. El autor mucho sentimiento en su obra.

David: Después de leer el poema he podido fijarme en que el autor se ha esmerado en mostrar Soria y la verdad es que, aunque sea un poco largo para mi gusto, es bonito y entretenido.

Diego: Es un poema extenso en el que el autor se centra principalmente en Soria y en su paisaje, aunque en este poema en autor también expresa sus sentimientos.

Poemas de Antonio Machado: Caminante no hay camino

Caminante no hay camino

Caminante, son tus huellas
el camino y nada más;
Caminante, no hay camino,
se hace camino al andar.
Al andar se hace el camino,
y al volver la vista atrás
se ve la senda que nunca
se ha de volver a pisar.
Caminante no hay camino
sino estelas en la mar.

Videos

Imágenes

Valoración personal

Carlos: Un poema precioso que me parece muy filosófico.

David: ¿Qué decir sobre este poema? Hay poco que decir, puesto que hay mucha gente que se lo sabe de memoria. Además, es un poema con mucho sentimiento.

Diego: Es un poema con mucho sentimiento, ya que trata sobre el transcurso de la vida.